Se llama Futbolín y es la próxima película del director argentino Juan José Campanella, sobre un relato corto del humorista gráfico y escritor –fallecido en 2007– Roberto Fontanarrosa. Y sí, es una película rodada en animación y en 3D y se estrenará, en Argentina, en junio de 2013. De momento y gracias a UIP, su distribuidora en España, nos han llegado las primeras imágenes en forma de teaser-trailer.
viernes, 28 de diciembre de 2012
jueves, 27 de diciembre de 2012
"La huésped (The Host)", lo nuevo de Stephenie Meyer al cine
La huésped, traducción española del título inglés The Host, película basada en un relato de Stephenie Meyer –autora del increíble best-seller Crepúsculo– se estrena en España el 22 de marzo de 2013.
En la película, siguiendo al dictado de la novela, nuestro mundo ha sido invadido por un enemigo desconocido. Los seres humanos se han convertido en huéspedes de los invasores, que se han apoderado de sus mentes manteniendo el cuerpo intacto. Casi toda la humanidad ha sucumbido a esta invasión. Cuando Melanie (Saoirse Ronan), uno de los pocos humanos «salvajes» que quedan, se ve capturada, está convencida de que ha llegado su fin. Wanderer, el «alma» invasora asignada al cuerpo de Melanie, ya está avisada de las dificultades que implica vivir dentro de un ser humano: las emociones irrefrenables, el torrente de sensaciones, los recuerdos demasiado vívidos... Pero hay algo con lo que Wanderer no contaba: la antigua inquilina de su cuerpo se niega a cederle el control de su mente. Cuando unas fuerzas externas obligan a Wanderer y a Melanie a aliarse, ambas emprenden una incierta y peligrosa búsqueda del hombre al que aman.
Aquí el trailer de lo que parece puede convertirse en otro taquillazo que nos permite comprobar cómo la niña de Expiación, City of ember o Lovely Bones se ha convertido en toda una mujer.
En la película, siguiendo al dictado de la novela, nuestro mundo ha sido invadido por un enemigo desconocido. Los seres humanos se han convertido en huéspedes de los invasores, que se han apoderado de sus mentes manteniendo el cuerpo intacto. Casi toda la humanidad ha sucumbido a esta invasión. Cuando Melanie (Saoirse Ronan), uno de los pocos humanos «salvajes» que quedan, se ve capturada, está convencida de que ha llegado su fin. Wanderer, el «alma» invasora asignada al cuerpo de Melanie, ya está avisada de las dificultades que implica vivir dentro de un ser humano: las emociones irrefrenables, el torrente de sensaciones, los recuerdos demasiado vívidos... Pero hay algo con lo que Wanderer no contaba: la antigua inquilina de su cuerpo se niega a cederle el control de su mente. Cuando unas fuerzas externas obligan a Wanderer y a Melanie a aliarse, ambas emprenden una incierta y peligrosa búsqueda del hombre al que aman.
Aquí el trailer de lo que parece puede convertirse en otro taquillazo que nos permite comprobar cómo la niña de Expiación, City of ember o Lovely Bones se ha convertido en toda una mujer.
sábado, 22 de diciembre de 2012
"Gangster Squad", Ryan Gosling y Sean Penn juntos
El 8 de febrero, si no cambian fechas, se estrenará Gangster Squad, película protagonizada por Sean Penn, Ryan Gosling, Josh Brolin, Nick Nolte y Emma Stone, entre muchos otros actores. Se trata de una historia de acción que narra las aventuras de una brigada especial de la policía de Los Angeles durante los años 40 y 50 especializada en la lucha contra los gangsters y las mafias.
Por lo que podemos ver, su estilo y sus personajes, nos rercuada a La brigada del sombrero –protagonizada también por Nick Nolte– y a L.A. Confidential.
Por lo que podemos ver, su estilo y sus personajes, nos rercuada a La brigada del sombrero –protagonizada también por Nick Nolte– y a L.A. Confidential.
lunes, 17 de diciembre de 2012
"Pacific Rim", vuelve Guillermo del Toro
Guillermo del Toro dirige esta aventura de acción y ciencia-ficción a partir de un guión de Travis Beacham (Furia de titanes). La película está protagonizada por Charlie Hunnam (el rubio de la serie de televisión Sons of Anarchy), Idris Elba (Thor, Luther) y Ron Perlman.
La película se estrenará en España el 12 de julio de 2013. Lo sé, aún queda mucho, pero mientras llega nos podemos conformar con la primicia de este trailer que su distribuidora ha tenido el detalle de enviarnos.
Pacific Rim (trailer) from Andresfierro on Vimeo.
Pacific Rim (trailer) from Andresfierro on Vimeo.
Trailer de "El Vuelo", lo nuevo de Robert Zemeckis y Denzel Washington
El próximo 25 de enero se estrena en España El Vuelo, nuevo thriller dirigido por Robert Zemeckis y protagonizado por Denzel Washington, Don Cheadle, Kelly Reilly, John Goodman y Bruce Greenwood, entre otros, con guión del también actor John Gatins.
La película narra la historia de Whip Whitaker (DenzelWashington), un experimentado piloto, consigue realizar un milagroso aterrizaje forzoso salvando a casi todos los pasajeros. Después del accidente, Whip se convierte en un héroe, pero según se va desarrollando la investigación, van surgiendo muchas preguntas sobre qué pasó exactamente durante el vuelo.
Este es el trailer.
El Vuelo (trailer) from Andresfierro on Vimeo.
La película narra la historia de Whip Whitaker (DenzelWashington), un experimentado piloto, consigue realizar un milagroso aterrizaje forzoso salvando a casi todos los pasajeros. Después del accidente, Whip se convierte en un héroe, pero según se va desarrollando la investigación, van surgiendo muchas preguntas sobre qué pasó exactamente durante el vuelo.
Este es el trailer.
El Vuelo (trailer) from Andresfierro on Vimeo.
viernes, 14 de diciembre de 2012
"El último desafío", trailer con Eduardo Noriega
Trailer doblado al castellano de la próxima película de Arnold Schwarzenegger, protagonizada también por Forrest Whitaker, Jaimie Alexander, Genesis Rodríguez y Eduardo Noriega, y dirigidos todos por el surcoreano Jee-woon Kim.
Distribuye DA Planeta y se estrena el 18 de enero de 2013.
EL ULTIMO DESAFIO TRL 1 VE WEB from Andresfierro on Vimeo.
Distribuye DA Planeta y se estrena el 18 de enero de 2013.
EL ULTIMO DESAFIO TRL 1 VE WEB from Andresfierro on Vimeo.
martes, 11 de diciembre de 2012
Hi-yo, Johnny Deep, en "El llanero solitario"
Johnny Deep sigue haciendo el indio y el tonto –perdón por el chiste fácil–, aunque no sea haciendo de Jack Sparrow. Esta vez le toca justamente vestido para tal uso, dando vida al indio "Tonto"en la versión cinematográfica que ha dirigido Gore Verbinski –exacto, el mismo director de Piratas del Caribe– y producido Jerry Bruckheimer –el mismo productor también–.
De la radio a la televisión y ahora al cine, el personaje de El llanero solitario –que no interpreta Deep, sino Armie Hammer, se prepara para debutar en todo el mundo. Lo que promete está muy claro: acción, efectos especiales, explosiones y alguna que otra locura de Johnny Deep desatado y haciendo el indio, en un personaje que es lo más parecido a Keith Richards que uno recuerda. A saber.
De momento y para abrir boca, el trailer que acaba de publicar en español Disney.
De la radio a la televisión y ahora al cine, el personaje de El llanero solitario –que no interpreta Deep, sino Armie Hammer, se prepara para debutar en todo el mundo. Lo que promete está muy claro: acción, efectos especiales, explosiones y alguna que otra locura de Johnny Deep desatado y haciendo el indio, en un personaje que es lo más parecido a Keith Richards que uno recuerda. A saber.
De momento y para abrir boca, el trailer que acaba de publicar en español Disney.
domingo, 9 de diciembre de 2012
"The Possession", o el exorcista judio
Nuevo espectáculo visual sobre posesiones y demás parafernalia infernal, que pretende rellenar el vacío demoniaco en el que hasta ahora permanecía la iconografía religiosa judía. The Possession, tal y como resume la sinopsis previa, resume cómo una pareja recién divorciada se enfrenta a la posesión de su hija pequeña.
La singularidad –ya mencionada– es que el poseedor es esta vez un dibbuk, espíritu encerrado en una enigmática caja, según la tradición judía. Teniendo en cuenta la lista de relatos sobre posesiones –larguísima y engordada últimamente con innecesarios remakes– poco o muy poco consigue aportarnos esta aproximación al género del danés Ole Bornedal que no se haya contado ya en obras pioneras como El Exorcista. En ella encontramos desde las miradas locas, los cambios en los ojos, movimientos de camas, levantamientos del suelo, extraños vómitos y demás tópicos.
Ole Bornedal autor que alcanzó fama hace años gracias a El vigilante nocturno (1994), película que él mismo volvió a dirigir en el remake made in USA y que en España se rebautizó como La sombra de la noche (1997), demuestra su eficiencia y sus conocimientos, pero el enfoque de la historia –se nos vende con un manido “basado en hechos reales”– y un guión teledirigido –género por encima de todo– no le permiten pasar del aprobado.
Abandonando totalmente esa premisa de realidad, sin apenas sorpresas y con un final previsible, The Possession, se sostiene gracias a los sustos y a la presencia de dos actores más conocidos por sus devaneos televisivos que por sus trabajos en la gran pantalla. Kyra Sedgwick, recién terminado el rodaje de la séptima y última temporada del inteligente y eficiente policiaco The Closer, nos ofrece su talento junto a Jeffrey Dean Morgan, al que hemos visto también en las primeras temporadas de Anatomia de Grey y en la versión cinematográfica de Watchmen. Natasha Calis, la joven protagonista, demuestra desenvoltura y talento, lo que le augura una fructífera carrera como actriz.
La singularidad –ya mencionada– es que el poseedor es esta vez un dibbuk, espíritu encerrado en una enigmática caja, según la tradición judía. Teniendo en cuenta la lista de relatos sobre posesiones –larguísima y engordada últimamente con innecesarios remakes– poco o muy poco consigue aportarnos esta aproximación al género del danés Ole Bornedal que no se haya contado ya en obras pioneras como El Exorcista. En ella encontramos desde las miradas locas, los cambios en los ojos, movimientos de camas, levantamientos del suelo, extraños vómitos y demás tópicos.
Ole Bornedal autor que alcanzó fama hace años gracias a El vigilante nocturno (1994), película que él mismo volvió a dirigir en el remake made in USA y que en España se rebautizó como La sombra de la noche (1997), demuestra su eficiencia y sus conocimientos, pero el enfoque de la historia –se nos vende con un manido “basado en hechos reales”– y un guión teledirigido –género por encima de todo– no le permiten pasar del aprobado.
Abandonando totalmente esa premisa de realidad, sin apenas sorpresas y con un final previsible, The Possession, se sostiene gracias a los sustos y a la presencia de dos actores más conocidos por sus devaneos televisivos que por sus trabajos en la gran pantalla. Kyra Sedgwick, recién terminado el rodaje de la séptima y última temporada del inteligente y eficiente policiaco The Closer, nos ofrece su talento junto a Jeffrey Dean Morgan, al que hemos visto también en las primeras temporadas de Anatomia de Grey y en la versión cinematográfica de Watchmen. Natasha Calis, la joven protagonista, demuestra desenvoltura y talento, lo que le augura una fructífera carrera como actriz.
"Vacaciones en el infierno", el regreso del Mel Gibson
Tras un parón de casi seis años, varias detenciones y sus consiguientes rehabilitaciones, Mel Gibson parece haber pillado carrerilla, concretamente a velocidad de una película por año. Y parece que poco a poco remonta el vuelo. Su anterior trabajo, El Castor, irregular, extraño, y psicoanalítico, parece haberle servido como catarsis para reencontrase de nuevo con su “yo” más heróico y cinematográfico. Que es lo que se nos presenta, sin un ápice de duda, en Get The Gringo (Atrapa al gringo), traducida aquí siguiendo los dictados del prólogo fílmico como Vacaciones en el infierno.
Las vacaciones, en este caso, son los días que su personaje, apodado escuetamente Driver, tiene que pasar en “El Pueblito” una surrealista prisión mejicana en la que para sobrevivir más de un día necesitará algo más que un milagro. Pero para un tipo como Gibson, perdón para Driver, es el sitio ideal, un lugar en el que un timador veterano como él puede llevarse el gato al agua y conseguir más dinero del que tenía antes de entrar. Desde sus primeros minutos la película resulta casi autoparódica, plagada de gags y chistes de diálogo bien pergeñados que la convierten en una suerte de comedia de acción: terreno ideal para un tipo como Gibson que tan buenos momentos nos ha brindado en sus cuatro entregas de Arma Letal, e incluso en comedias como Dos pájaros a tiro, Maverick o En qué piensan las mujeres.
No exenta de ciertos tópicos –la policía mejicana, los tics de los mafiosos, etc– Vacaciones en el infierno resulta una película más que saludable como vehículo de recuperación del actor, y de paso para ofrecernos un entretenimiento que, si bien nunca llegará a las exquisiteces de su Martin Riggs, al menos demuestra que Mel en su salsa es un timador brillante, divertido y con principios. Se agradece también que como pareja no le hayan –o se haya– colocado a una jovencita de 28 años, sino a una madura y atractiva actriz colombiana de 46 años llamada Dolores Heredia –más hispano, el nombre, imposible– a la que recordamos por su gran trabajo en Santitos y Rudi y Cursi. Junto a ella un habitual ya de nuestro cine, Daniel Jiménez Cacho, probablemente uno de los mejores actores mejicanos del momento, en el papel de un villano algo arquetípico pero sin reparos.
Gibson, que además de producir y protagonizar ha metido mano en el guión junto a Stacy Perskie, ha contratado como director a Adrian Grunberg, director de segundas unidades en películas de acción y que también colaboró con el propio cineasta en Apocalypto. En todo caso, el toque de Mel está presente en un producto fabricado para lucimiento propio –él mismo lo produce, ya hemos dicho–, algo que esta vez no es un handicap, sino una ventaja.
Las vacaciones, en este caso, son los días que su personaje, apodado escuetamente Driver, tiene que pasar en “El Pueblito” una surrealista prisión mejicana en la que para sobrevivir más de un día necesitará algo más que un milagro. Pero para un tipo como Gibson, perdón para Driver, es el sitio ideal, un lugar en el que un timador veterano como él puede llevarse el gato al agua y conseguir más dinero del que tenía antes de entrar. Desde sus primeros minutos la película resulta casi autoparódica, plagada de gags y chistes de diálogo bien pergeñados que la convierten en una suerte de comedia de acción: terreno ideal para un tipo como Gibson que tan buenos momentos nos ha brindado en sus cuatro entregas de Arma Letal, e incluso en comedias como Dos pájaros a tiro, Maverick o En qué piensan las mujeres.
No exenta de ciertos tópicos –la policía mejicana, los tics de los mafiosos, etc– Vacaciones en el infierno resulta una película más que saludable como vehículo de recuperación del actor, y de paso para ofrecernos un entretenimiento que, si bien nunca llegará a las exquisiteces de su Martin Riggs, al menos demuestra que Mel en su salsa es un timador brillante, divertido y con principios. Se agradece también que como pareja no le hayan –o se haya– colocado a una jovencita de 28 años, sino a una madura y atractiva actriz colombiana de 46 años llamada Dolores Heredia –más hispano, el nombre, imposible– a la que recordamos por su gran trabajo en Santitos y Rudi y Cursi. Junto a ella un habitual ya de nuestro cine, Daniel Jiménez Cacho, probablemente uno de los mejores actores mejicanos del momento, en el papel de un villano algo arquetípico pero sin reparos.
Gibson, que además de producir y protagonizar ha metido mano en el guión junto a Stacy Perskie, ha contratado como director a Adrian Grunberg, director de segundas unidades en películas de acción y que también colaboró con el propio cineasta en Apocalypto. En todo caso, el toque de Mel está presente en un producto fabricado para lucimiento propio –él mismo lo produce, ya hemos dicho–, algo que esta vez no es un handicap, sino una ventaja.
lunes, 3 de diciembre de 2012
Todo lo que usted siempre quiso saber sobre Woody Allen... pero no se atrevió a preguntar
Woody Allen, el documental, dirigido por Robert B. Wide, se estrena el 28 de diciembre de 2012 entre nosotros. En él participan los actores Antonio Banderas, Josh Brolin, Penélope Cruz, John Cusack, Larry David, Seth Green, Mariel Hemingway, Scarlett Johansson, Julie Kavner, Diane Keaton, Martin Landau, Louise Lasser, Sean Penn, Tony Roberts, Chris Rock, Mira Sorvino, Naomi Watts, Dianne Wiest, y Owen Wilson; colaboradores suyos como Marshall Brickman, Mickey Rose y Doug McGrath; directores de fotografía Gordon Willis y Vilmos Zsigmond; su hermana y productora, Letty Aronson; los productores Robert Greenhut y Stephen Tenenbaum; sus representantes Jack Rollins y Charles H. Joffe; su directora de casting Juliet Taylor; su amigos Dick y de Martin Scorsese, entre muchos otros.
Este es el trailer de la película.
TRAILER WOODY ALLEN HD VOSE h264 from Surtsey Films on Vimeo.
Este es el trailer de la película.
TRAILER WOODY ALLEN HD VOSE h264 from Surtsey Films on Vimeo.
viernes, 23 de noviembre de 2012
Se nos ha ido José Luis Borau, director, entre otras de "Furtivos"
Según publican los diarios, José Luis Borau, Director, productor, guionista, escritor, presidente de la Academia de Cine, ha muerto hoy viernes 23 de noviembre a los 83 años de edad. Este texto forma parte del libro Atlas Ilustrado del Cine Español que publiqué en Susaeta en 2009.
"José Luis Borau (1929) nace en Zaragoza, se licencia en Derecho y comienza a ejercer como crítico de cine en “El Heraldo de Aragón” hasta 1956. Ese año viaja a Madrid para estudiar cine en la Escuela Oficial de Cine, todavía IIEC. Sus primeros trabajos son dos encargos a cual más singular: “Brandy” (1964) un spaguetti-western rodado en Almeria y que el director firmó como J.L. Boraw, y “Crimen de doble filo” (1965), un policíaco. Durante algunos años alternará su trabajo en publicidad con la producción de documentales y la escritura de algún que otro guión –“Mi querida señorita” (1971)– hasta que en 1973 y a través de su propia productora dirige “Hay que matar a B” y “Furtivos”. Ésta última es quizá su obra más personal y comprometida de su primera etapa como director. Dedicado durante años a tareas de producción y de escritura, vuelve al cine en 1979 con “La Sabina”, para iniciar una breve carrera en Estados Unidos donde su película “Furtivos”.
Furtivos surge de una idea primigenia de Borau con la que pretendía unir dos elementos: un bosque, con la imagen subyacente de que toda España había sido un bosque, y Lola Gaos, la actriz, un personaje en sí mismo. Con ese punto de partida, Manuel Gutiérrez Aragón y el director construyeron la historia de una madre, el personaje de Lola Gaos, capaz de devorar a su propio hijo. Esa devoración simbólica, transcurre en un entorno rural en el que conviven y mantienen una relación incestuosa, Martina y Ángel, madre e hijo respectivamente. Un día, el hijo, un cazador furtivo apodado “Ángel el alimañero”, en uno de sus pocos viajes a la ciudad, conoce a Milagros, una joven que se acaba de escapar del reformatorio y a la que Ángel acoge en el pueblo. La madre no acepta de buen grado su presencia y la denuncia, pero Ángel, enamorado, está dispuesto a casarse con tal de que Milagros se quede con él. La vida de los tres personajes se ve truncada por la presencia de “El Cuqui”, el novio delincuente de la joven que acaba de salir de la cárcel. La idea del bosque –naturaleza cruel e implacable– como lugar en el que un grupo de personajes son devorados, acosados o perseguidos, es tal vez una de las constantes de la historia.
Para dar vida a esos personajes Borau hizo un cásting singular, sin estrellas y con actores prácticamente desconocidos: Lola Gaos, en su primer protagonista en el cine; Ovidi Montllor, por esas fechas cantautor catalán; y Alicia Sánchez, en uno de sus primeros trabajos, al igual que Ovidi Montllor, que por esas fechas ejercía como más como cantautor que como actor. Reservándose un pequeño papel de “malo” –el Gobernador– para él mismo. A la película se le ha colocado durante años el marchamo de “película de la transición”, aunque el director siempre ha reconocido que Furtivos se concibió y se rodó durante el franquismo. Y lo que es más, el propio Borau se negó a cambiarla o a retocarla, tal y com le solicitaba la censura."
Extracto del libro Atlas Ilustrado del Cine Español (Ed. Susaeta, Madrid 2009).
"José Luis Borau (1929) nace en Zaragoza, se licencia en Derecho y comienza a ejercer como crítico de cine en “El Heraldo de Aragón” hasta 1956. Ese año viaja a Madrid para estudiar cine en la Escuela Oficial de Cine, todavía IIEC. Sus primeros trabajos son dos encargos a cual más singular: “Brandy” (1964) un spaguetti-western rodado en Almeria y que el director firmó como J.L. Boraw, y “Crimen de doble filo” (1965), un policíaco. Durante algunos años alternará su trabajo en publicidad con la producción de documentales y la escritura de algún que otro guión –“Mi querida señorita” (1971)– hasta que en 1973 y a través de su propia productora dirige “Hay que matar a B” y “Furtivos”. Ésta última es quizá su obra más personal y comprometida de su primera etapa como director. Dedicado durante años a tareas de producción y de escritura, vuelve al cine en 1979 con “La Sabina”, para iniciar una breve carrera en Estados Unidos donde su película “Furtivos”.
Furtivos surge de una idea primigenia de Borau con la que pretendía unir dos elementos: un bosque, con la imagen subyacente de que toda España había sido un bosque, y Lola Gaos, la actriz, un personaje en sí mismo. Con ese punto de partida, Manuel Gutiérrez Aragón y el director construyeron la historia de una madre, el personaje de Lola Gaos, capaz de devorar a su propio hijo. Esa devoración simbólica, transcurre en un entorno rural en el que conviven y mantienen una relación incestuosa, Martina y Ángel, madre e hijo respectivamente. Un día, el hijo, un cazador furtivo apodado “Ángel el alimañero”, en uno de sus pocos viajes a la ciudad, conoce a Milagros, una joven que se acaba de escapar del reformatorio y a la que Ángel acoge en el pueblo. La madre no acepta de buen grado su presencia y la denuncia, pero Ángel, enamorado, está dispuesto a casarse con tal de que Milagros se quede con él. La vida de los tres personajes se ve truncada por la presencia de “El Cuqui”, el novio delincuente de la joven que acaba de salir de la cárcel. La idea del bosque –naturaleza cruel e implacable– como lugar en el que un grupo de personajes son devorados, acosados o perseguidos, es tal vez una de las constantes de la historia.
Para dar vida a esos personajes Borau hizo un cásting singular, sin estrellas y con actores prácticamente desconocidos: Lola Gaos, en su primer protagonista en el cine; Ovidi Montllor, por esas fechas cantautor catalán; y Alicia Sánchez, en uno de sus primeros trabajos, al igual que Ovidi Montllor, que por esas fechas ejercía como más como cantautor que como actor. Reservándose un pequeño papel de “malo” –el Gobernador– para él mismo. A la película se le ha colocado durante años el marchamo de “película de la transición”, aunque el director siempre ha reconocido que Furtivos se concibió y se rodó durante el franquismo. Y lo que es más, el propio Borau se negó a cambiarla o a retocarla, tal y com le solicitaba la censura."
Extracto del libro Atlas Ilustrado del Cine Español (Ed. Susaeta, Madrid 2009).
miércoles, 21 de noviembre de 2012
“Dredd”, violencia y fidelidad
Es una costumbre del cine repetir una y otra vez las películas pensando que, tal vez, las nuevas generaciones necesiten conocer –de nuevo– los mitos con los que sus padres han disfrutado –en ocasiones padecido– en las salas de cine. Esta semana le toca el turno al Juez Dredd, personaje que ha perdido por el camino el Juez, y que en realidad se trata más bien de una reactualización del cómic, esta vez, como no, en tres dimensiones.
Hace 17 años, un Sylvester Stallone en plenitud de facultades, convertido en ídolo vigoréxico del cine de acción deleitaba a sus fans –entre los que no me encuentro– dando vida a un inapelable, escueto y e hiperviolento Juez Dredd. Los productores –y seguramente el propio Stallone– optaron por traicionar al mito haciendo que su personaje apareciese durante casi toda la película sin el pertinente casco de Juez. La razón: sería imperdonable no ver la cara de la estrella que ha cobrado 15 millones de dólares por aparecer en la superproducción (curiosamente, el mismo salario como actor que ha percibido en Los Mercenarios 2).
Esta vez, los productores, el guionista, Alex Garland, y el director, Pete Travis, han optado por ceñirse mucho más al cómic original, ubicando su relato en un apocalíptico futuro ciberpunk en el que un grupo de malos, comandados por Lena Hadey (Juego de Tronos), se encarga de distribuir por toda la ciudad una droga que consigue ralentizar el tiempo. Esta vez Karl Urban –al que hemos visto en El mito de Bourne y en El señor de los anillos, casi siempre de secundario–, libre de los enconsertamientos de Stallone, no ha puesto pegas a mantenerse fiel al personaje y de ese modo su personaje no se quita el casco ni una sola vez: algo que no le impide mostrar una evolución del personaje, que a su pesar, se volverá más humano pero sin necesidad de perder todas sus cualidades violentas que le permitan salir airoso de la hazaña. La acción está bien dirigida y, aunque los personajes resultan algo planos y arquetípicos, la historia es lo que es: una película de acción, con muchos tiros, muchas balas y que no deja resquicio para la respiración.
Sin ser una gran producción –se nota el talento de los creadores de espacios virtuales–, este Dredd permite un acercamiento más fiel para aquellos que desconocen el cómic del impasible juez del mentón y, probablemente, dejé a sus fans un poco más satisfechos.
Hace 17 años, un Sylvester Stallone en plenitud de facultades, convertido en ídolo vigoréxico del cine de acción deleitaba a sus fans –entre los que no me encuentro– dando vida a un inapelable, escueto y e hiperviolento Juez Dredd. Los productores –y seguramente el propio Stallone– optaron por traicionar al mito haciendo que su personaje apareciese durante casi toda la película sin el pertinente casco de Juez. La razón: sería imperdonable no ver la cara de la estrella que ha cobrado 15 millones de dólares por aparecer en la superproducción (curiosamente, el mismo salario como actor que ha percibido en Los Mercenarios 2).
Esta vez, los productores, el guionista, Alex Garland, y el director, Pete Travis, han optado por ceñirse mucho más al cómic original, ubicando su relato en un apocalíptico futuro ciberpunk en el que un grupo de malos, comandados por Lena Hadey (Juego de Tronos), se encarga de distribuir por toda la ciudad una droga que consigue ralentizar el tiempo. Esta vez Karl Urban –al que hemos visto en El mito de Bourne y en El señor de los anillos, casi siempre de secundario–, libre de los enconsertamientos de Stallone, no ha puesto pegas a mantenerse fiel al personaje y de ese modo su personaje no se quita el casco ni una sola vez: algo que no le impide mostrar una evolución del personaje, que a su pesar, se volverá más humano pero sin necesidad de perder todas sus cualidades violentas que le permitan salir airoso de la hazaña. La acción está bien dirigida y, aunque los personajes resultan algo planos y arquetípicos, la historia es lo que es: una película de acción, con muchos tiros, muchas balas y que no deja resquicio para la respiración.
Sin ser una gran producción –se nota el talento de los creadores de espacios virtuales–, este Dredd permite un acercamiento más fiel para aquellos que desconocen el cómic del impasible juez del mentón y, probablemente, dejé a sus fans un poco más satisfechos.
"Un buen partido", Jessica Biel y Gerard Butler en una comedia de ex
Gabrielle Mucino –En busca de la felicidad, Siete almas, L'ultimo bacio– dirige a este grupo de estrellas comandadas por Gerard Butler y Jessica Biel en una comedia romántica que promete, de entrada, ser entretenida. Dicen que está Uma Thurman aunque en el trailer no hay ni un sólo plano suyo. Y también, y a estos sí que se les ve, Dennis Quaid y Catherine Zeta Jones. Como trasfondo, la peripecias de un ex jugador de fútbol –sí es fútbol y no soccer–, ex comentarista deportivo y ex padre, en busca de una segunda oportunidad con su ex esposa. El argumento tiene poco de original, así que más le vale ser entretenida.
martes, 20 de noviembre de 2012
MADMENÍZATE, el lunes 26N en la FNAC
El próximo lunes, 26 de noviembre a las 22:00h, Fnac Callao abrirá sus puertas para celebrar el lanzamiento de la 5ª temporada de MADMEN.
A la fiesta podrán entrar todos aquellos que acudan vestidos como los personajes de la serie. Con motivo del lanzamiento de la 5ª temporada de MADMEN, en dvd y Bluray.
Allí encontrarán multitud de sorpresas, como regalos directos a los 50 primeros compradores, sorteos, copas, caracterización, animación... y muchas cosas más que se irán desvelando a través de las redes sociales de Fnac. Para más información, consultad el blog de Fnac Callao pinchando aquí
jueves, 8 de noviembre de 2012
"Mátalos suavemente", la mafia en recesión
Hay, en este tercer trabajo del neozelandés Andrew Dominik, un intencionado aroma a cine negro –eso que algunos esnobs y cinéfilos llaman film noir– lo que le confiere, casi sin desearlo, un halo de película de culto, a la que tal vez los distribuidores, y por ende el público, no le presten las debidas atenciones. A pesar de que en el reparto se encuentren estrellas como Brad Pitt. Una pena, porque Mátalos suavemente, utiliza el adjetivo de su título para enredarse en el cerebro y las entrañas de quien la ve, dejando esa extraña y agradable sensación de buen cine.
No estamos ante una obra magna, no es ni El Padrino, ni Uno de los nuestros, ni Los Soprano, pero tampoco le quedan tan lejos. Tiene todo lo bueno de ellas: una descripción de personajes amplia, detallada, sin artificios de cámara estilo Guy Ritchie, que se completa con intensas conversaciones rodadas en la más estricta austeridad, en primeros planos en los que el director permite a su grupo de grandes actores demostrar talento y versatilidad. Y por supuesto su argumento –matar a los responsables del robo de una partida de póker–, una muestra de las fuentes del cine negro en las que bebe Mátalos suavemente. Todo ello envuelto en un estilo visualmente atractivo, quizá sin el sofisticado estilismo de Drive, pero con una elegancia más que digna. Un sello a caballo entre el Tarantino de Reservoir Dogs y el Scorsese de Malas Calles es el que da forma a un relato redondeado por un grupo de actores bien elegidos y mejor dirigidos. Y aunque es innegable el peso de Brad Pitt en el reparto, junto a él destacan, a la misma altura, James Gandolfini, Ray Liotta, Richard Jenkins y Scott McNairy.
Andrew Dominik parte de un material interesante: la novela Cogan’s Trade del norteamericano George V. Higgins. Dominik incide en la zona negra y gangsteril, pero no se olvida del contexto social: el trasfondo de crisis que afecta toda la sociedad, y por qué no, al mundo de la mafia y los sicarios. Porque también ahí se notan los recortes y las carencias económicas y laborales. De ahí que algunos de sus diálogos recuerdan más a arengas de políticos o empresarios preocupados por el país y la economía, que a la simples charlas de barra. Una zona crítica que evidencia el protagonista, Jackie Cogan, al sentenciar en el epílogo de esta magnífica película que “Estados Unidos no es un país, sino un negocio”.
No estamos ante una obra magna, no es ni El Padrino, ni Uno de los nuestros, ni Los Soprano, pero tampoco le quedan tan lejos. Tiene todo lo bueno de ellas: una descripción de personajes amplia, detallada, sin artificios de cámara estilo Guy Ritchie, que se completa con intensas conversaciones rodadas en la más estricta austeridad, en primeros planos en los que el director permite a su grupo de grandes actores demostrar talento y versatilidad. Y por supuesto su argumento –matar a los responsables del robo de una partida de póker–, una muestra de las fuentes del cine negro en las que bebe Mátalos suavemente. Todo ello envuelto en un estilo visualmente atractivo, quizá sin el sofisticado estilismo de Drive, pero con una elegancia más que digna. Un sello a caballo entre el Tarantino de Reservoir Dogs y el Scorsese de Malas Calles es el que da forma a un relato redondeado por un grupo de actores bien elegidos y mejor dirigidos. Y aunque es innegable el peso de Brad Pitt en el reparto, junto a él destacan, a la misma altura, James Gandolfini, Ray Liotta, Richard Jenkins y Scott McNairy.
Andrew Dominik parte de un material interesante: la novela Cogan’s Trade del norteamericano George V. Higgins. Dominik incide en la zona negra y gangsteril, pero no se olvida del contexto social: el trasfondo de crisis que afecta toda la sociedad, y por qué no, al mundo de la mafia y los sicarios. Porque también ahí se notan los recortes y las carencias económicas y laborales. De ahí que algunos de sus diálogos recuerdan más a arengas de políticos o empresarios preocupados por el país y la economía, que a la simples charlas de barra. Una zona crítica que evidencia el protagonista, Jackie Cogan, al sentenciar en el epílogo de esta magnífica película que “Estados Unidos no es un país, sino un negocio”.
martes, 6 de noviembre de 2012
"Looper", entretenidos viajes en el tiempo.
Los viajes en el tiempo han sido tema recurrente en el cine y seguramente lo serán de cientos de películas. De ellas, sólo unas pocas perdurarán y se mantendrán como clásicos, o al menos como filmes de culto sobre los que se hablará durante mucho tiempo. Le ha pasado al Regreso al futuro, a Terminator, a 12 monos, y quizá también le suceda a Looper.
Su director, el californiano Rian Johnson, ya mostro parte de su talento como cineasta en su ópera prima, Brick, un extraño y singular producto de cine negro moderno con el que deleito en festivales como Sundance –Premio Especial del Jurado “por su original visión” en 2005– o en Sitges ese mismo año, donde se llevó el Premio Ciudadano Kane al Mejor Director Revelación. Quizá por eso la enorme altura en la que se le había colocado el listón cinematográfico creaba serias dudas sobre su segundo trabajo. Pues duda resuelta: Johnson ha demostrado que la apuesta de todos los festivales por lo que se paseó con Brick no era la fanfarronada de un debutante, sino la clase de un cineasta que controla perfectamente los entresijos del cine policíaco de acción. Looper es menos original y sorprendente que Brick y, en cierto momentos, resulta hasta demasiado predecible, pero a cambio es sumamente entretenida y visualmente brillante. Es más comercial –la presencia de Bruce Willis así lo atestigua– pero el toque de Johnson hace que Looper sea algo más que un mero producto de aventuras: su juego musical, sus movimientos de cámara, sus primeros planos –aprendidos sin duda del cine de Sergio Leone– y su exquisito gusto para no abusar de los efectos digitales y especiales, son algunas de las virtudes que permiten al espectador disfrutar durante las casi dos horas que dura la película.
Tal vez Bruce Willis o Joseph Gordon-Levitt no sean las caras que uno desearía ver dando vida a sus dos protagonistas. En el caso del primero porque su paso por los viajes en el tiempo –12 monos– nos predispone, y en el de Gordon-Levitt porque su aspecto de chulo de anuncio de colonia nos recuerda, excesivamente al Ryan Gosling de Drive. Pero su trama bien tejida y la presencia de Emily Blunt y Jeff Daniels –por desgracia breve– hacen que entremos en el juego de Johnson con un guión eficiente y muy ameno, que quizá sea el preaviso de una magnífica tercera película.
Su director, el californiano Rian Johnson, ya mostro parte de su talento como cineasta en su ópera prima, Brick, un extraño y singular producto de cine negro moderno con el que deleito en festivales como Sundance –Premio Especial del Jurado “por su original visión” en 2005– o en Sitges ese mismo año, donde se llevó el Premio Ciudadano Kane al Mejor Director Revelación. Quizá por eso la enorme altura en la que se le había colocado el listón cinematográfico creaba serias dudas sobre su segundo trabajo. Pues duda resuelta: Johnson ha demostrado que la apuesta de todos los festivales por lo que se paseó con Brick no era la fanfarronada de un debutante, sino la clase de un cineasta que controla perfectamente los entresijos del cine policíaco de acción. Looper es menos original y sorprendente que Brick y, en cierto momentos, resulta hasta demasiado predecible, pero a cambio es sumamente entretenida y visualmente brillante. Es más comercial –la presencia de Bruce Willis así lo atestigua– pero el toque de Johnson hace que Looper sea algo más que un mero producto de aventuras: su juego musical, sus movimientos de cámara, sus primeros planos –aprendidos sin duda del cine de Sergio Leone– y su exquisito gusto para no abusar de los efectos digitales y especiales, son algunas de las virtudes que permiten al espectador disfrutar durante las casi dos horas que dura la película.
Tal vez Bruce Willis o Joseph Gordon-Levitt no sean las caras que uno desearía ver dando vida a sus dos protagonistas. En el caso del primero porque su paso por los viajes en el tiempo –12 monos– nos predispone, y en el de Gordon-Levitt porque su aspecto de chulo de anuncio de colonia nos recuerda, excesivamente al Ryan Gosling de Drive. Pero su trama bien tejida y la presencia de Emily Blunt y Jeff Daniels –por desgracia breve– hacen que entremos en el juego de Johnson con un guión eficiente y muy ameno, que quizá sea el preaviso de una magnífica tercera película.
lunes, 15 de octubre de 2012
"Submarine", estreno el 31 de octubre
SUBMARINE ha sido definida como “El guardián entre el centeno” (J. D. Salinger, 1951) del siglo XXI. Un menage a trois entre la esencia narrativa de Spike Jonze, los personajes de Wes Anderson y la música de Arctic Monkeys que narra la historia de un adolescente y su vida cotidiana marcada por la delicada situación que atraviesa el matrimonio de sus padres. La película está protagonizada por los jóvenes Craig Roberts y Yasmine Paige, perfectamente arropados por por Noah Taylor (Charlie y la fábrica de chocolate), Paddy Considine (El ultimátum de Bourne) y Sally Hawkins (Happy, un cuento sobre la felicidad).
SUBMARINE se estrena el 31 de octubre.
viernes, 5 de octubre de 2012
50 años de James Bond, en Serrano
La distribuidora Sony Pictures ha querido celebrar los 50 años de James Bond en la pantalla con una exposición de algunos de sus carteles más conocidos en plena calle Serrano de Madrid.
viernes, 14 de septiembre de 2012
El secretísimo rodaje de Isabel Coixet
Isabel Coixet inicia el rodaje de su próxima película en el más absoluto secretismo. Protagonizada por Javier Cámara y Candela Peña y con guión de la propia Coixet, Ayer no termina nunca, es el título actual del proyecto, se rodará en localizaciones de Igualada y alrededores de Barcelona y finalizará a mitad de octubre.
Para evitar filtraciones a cualquier medio todos los participantes en la película, tanto del equipo técnico, como artístico, han firmado una cláusula de confidencialidad porque la directora no desea desvelar por el momento la trama de la película. Los actores tienen prohibido revelar detalles del guión, del que sólo se sabe que pasa en el futuro próximo, en el año 2017. La película está producida por Miss Wasabi films y A Contracorriente Films y este el texto que ha hecho llegar a los medios a través de nota de prensa la propia cineasta:
“Últimamente, el espectador llega a las películas, sabiendo demasiadas cosas de ellas. A veces, viendo el trailer ya te haces una idea del film…. Y cuanto más sabes de éste, menos ganas tienes de verlo. Hay una saturación enfermiza de información. Ya sé que será casi imposible, pero me gustaría que los espectadores llegaran a “Ayer no termina nunca” sabiendo muy poco de la historia. Lo único que puedo decir es que para mí, es una especie de retorno al mundo de “Mi vida sin mí” mezclado con aspectos del ahora y aquí de la situación que estamos viviendo como país. Por mi parte, lo único que sé es que esta película no sería posible sin la dedicación absoluta de Javier y Candela. Me siento afortunada de tenerlos conmigo en esta aventura. Cada minuto de los que hemos ensayado ha sido precioso. Y sé que en la pantalla van a sorprender, emocionar y golpear al espectador.”
Isabel Coixet, septiembre 2012
jueves, 13 de septiembre de 2012
Justin Bieber, la estrella más odiada, en CSI
Justin Bieber, estrella amada y odiada, quien sabe si a partes iguales, ha dejado su huella en CSI, la original. Lo hizo en dos capítulos de la temporada 11ª: el 1º y el 15º. De este último os dejo una truculenta secuencia.
Atención Spoilers (esta secuencia desvela partes importantes de la trama, y parece mentira que a estas alturas, con montones de vídeos ya pululando –este es uno de los más divertidos– y después de ser emitida hasta la saciedad en AXN, tenga que escribir esto).
Atención Spoilers (esta secuencia desvela partes importantes de la trama, y parece mentira que a estas alturas, con montones de vídeos ya pululando –este es uno de los más divertidos– y después de ser emitida hasta la saciedad en AXN, tenga que escribir esto).
viernes, 7 de septiembre de 2012
"Todos tenemos un plan", Viggo con acento porteño
Viggo Mortensen, que ya debutó en el cine español con tres trabajos bien distantes –en el tiempo, pero sobre todo en estilo, Gimlet (1995), La pistola de mi hermano (1997) y Alatriste (2006)– hace lo propio ahora en el argentino, país en el que pasó gran parte de su infancia y por el que siente un especial cariño.
Es indudable que su presencia en el reparto es un aliciente más que suficiente para atraer a todo tipo de público y conseguir, de paso, una buena taquilla. Mortensen ha dado vida a una buena ristra de heroes, desde El Señor de los Anillos, hasta Una historia de violencia, pasando por La carretera, Promesas del Este o la ya mencionada Alatriste. Y tanto por carácter como por talento, contar con él significa –hablando de marketing– tener la mitad del trabajo hecho.
Todos tenemos un plan parece, a priori, la película perfecta para un Viggo Mortensen preocupado ahora por el teatro, la poesía, la música y otros aspectos culturales mucho más alejados del frívolo mundo de Hollywood. Y es que el debut de Anita Piterbarg en la gran pantalla tiene mucho que ver con el mundo literario y la novela introspectiva. Es por tanto un relato con ciertas ambiciones en el que ha participado una parte del equipo de El secreto de sus ojos, película oscarizada y convertida –con todo merecimiento– en referente del cine argentino moderno de calidad. Sin embargo, Piterbarg, que también se ha encargado del guión, abandona en muchos momentos el misterio y el relato policiaco que tan buen resultado le dio a Campanella, para detenerse en los problemas psicológicos que provoca en el protagonista la asunción de una nueva personalidad. Son esos remansos, muchas veces injustificados, los que lastran un arranque interesante y unos diálogos soberbios. Aún así, la cineasta demuestra que su talento visual supera al narrativo, aprovechando al máximo la localización de un entorno –el Delta del Tigre, zona de pantanos y afluentes próxima a Buenos Aires– que termina convirtiéndose en un personaje más de la película.
Hay momentos de buen cine, de intencionalidad, también mucho intimismo, y sobre todo buenas interpretaciones. Sofia Gala Castiglione se luce con Rosa, el personaje más complicado y que mejor ha desarrollado Piterbarg en su guión, al igual que Daniel Fanego y su villano, Adrián. Ellos dan lo mejor, y admiten la presencia de Soledad Villamil –su personaje apenas apuntado–, del español Javier Godino e incluso de un Viggo Mortensen excesivamente apagado en su doble interpretación.
Todos tenemos un plan parece, a priori, la película perfecta para un Viggo Mortensen preocupado ahora por el teatro, la poesía, la música y otros aspectos culturales mucho más alejados del frívolo mundo de Hollywood. Y es que el debut de Anita Piterbarg en la gran pantalla tiene mucho que ver con el mundo literario y la novela introspectiva. Es por tanto un relato con ciertas ambiciones en el que ha participado una parte del equipo de El secreto de sus ojos, película oscarizada y convertida –con todo merecimiento– en referente del cine argentino moderno de calidad. Sin embargo, Piterbarg, que también se ha encargado del guión, abandona en muchos momentos el misterio y el relato policiaco que tan buen resultado le dio a Campanella, para detenerse en los problemas psicológicos que provoca en el protagonista la asunción de una nueva personalidad. Son esos remansos, muchas veces injustificados, los que lastran un arranque interesante y unos diálogos soberbios. Aún así, la cineasta demuestra que su talento visual supera al narrativo, aprovechando al máximo la localización de un entorno –el Delta del Tigre, zona de pantanos y afluentes próxima a Buenos Aires– que termina convirtiéndose en un personaje más de la película.
Hay momentos de buen cine, de intencionalidad, también mucho intimismo, y sobre todo buenas interpretaciones. Sofia Gala Castiglione se luce con Rosa, el personaje más complicado y que mejor ha desarrollado Piterbarg en su guión, al igual que Daniel Fanego y su villano, Adrián. Ellos dan lo mejor, y admiten la presencia de Soledad Villamil –su personaje apenas apuntado–, del español Javier Godino e incluso de un Viggo Mortensen excesivamente apagado en su doble interpretación.
jueves, 6 de septiembre de 2012
Jessica Biel nº1 en Francia con The Tall Men
El hombre de las sombras (The Tall Man) supone la vuelta del director de la impactante Martyrs, el francés Pascal Laugier, quien se estrena con su primera película rodada en lengua inglesa y esta vez mezcla hechos reales sobrenaturales al estilo de las novelas de Stephen King, envolviéndolos bajo una capa de misterio e intriga para contar una historia que se adentra en las entrañas de un corrosivo mundo de miedo y terror hasta revelar al fin una inimaginable verdad.
La película llegará a los cines españoles el 21 de diciembre distribuida por DeAPlaneta.
miércoles, 5 de septiembre de 2012
"Invasor", Calparsoro regresa con un thriller bélico
Además de haber sido seleccionada a participar en el Festival de Cine de Sitges, en la Sección Oficial Fantàstic Galas, INVASOR hace su presentación internacional en el marco del Festival de Cine de Toronto, que se desarrolla estos días. La película está teniendo una buena acogida de ventas internacionales, habiendo sido ya vendida a más de 20 países, entre los que se encuentran territorios como Alemania, Japón, China, India o Latinoamérica. Otros muchos territorios se encuentran en avanzadas negociaciones que se cerrarán a lo largo del Festival.
INVASOR es un thriller de acción y suspense, rodada el pasado invierno entre La Coruña y las Islas Canarias, y la acción transcurre entre escenarios de conflicto de Oriente Medio, donde viaja el protagonista en una misión como médico militar, y Galicia, donde reside junto a su familia. Tras un atentado que casi le cuesta la vida, Pablo, un médico militar español destinado en una misión internacional, regresa a casa convaleciente junto a su mujer y su hija. Pablo sospecha que le están escondiendo información sobre las circunstancias del atentado y a pesar de la presión de los altos mandos, se niega a secundar la versión oficial poniendo en peligro su seguridad y la de su familia.
Con guión de Javier Gullón y Jorge Arenillas, sobre la novela homónima de Fernando Marías, INVASOR une de nuevo a los productores de “CELDA 211”: Juan Gordon, Emma Lustres y Borja Pena. El film cuenta con un presupuesto de unos 5 millones de euros, con la coproducción de Mandarin (Francia) y la participación de Televisión Española, Canal +, TVG, ONO, AXN, R, Xunta de Galicia y Ayuntamiento de La Coruña."
Nota de prensa de Disney España.
jueves, 2 de agosto de 2012
miércoles, 1 de agosto de 2012
viernes, 13 de julio de 2012
"Lobos de Arga", terrorífica comedia rural
Hay un tipo de cine en España que parece funcionar, caiga quien caiga. Y ese es el de la comedia gamberra. Las hay mediocres, anondias y también las hay aceptables. Lobos de Arga está entre estas últimas.
Juan Martínez Moreno, aunque no nos suene, lleva unos cuantos años partiéndose el pecho como ayudante y asistente de directores varios –El aliento del diablo, Una casa en las afueras– hasta que, tras dos cortos con cierto éxito –Big Wendy y Decirte que te quiero premiados en Elche en 1996 y en Algarve en 1995, respectivamente– debutó como como director y también como guionista en el mundo del largo con Dos tipos duros (2003), una comedia sobre un matón de tres al cuarto y su aprendiz, con la que dio muestras de ciertas dotes para la comedia. Su siguiente trabajo importante llegaría casi seis años después con Un buen hombre (2009), un thriller con el que intentó el cambio de género con un resultado irregular.
Con todo ese bagaje aprendido, Martínez Moreno, ha optado por una comedia pura y dura ubicada en un entorno –una boscosa y apartada aldea gallega– con toques terroríficos y con referencias claras a películas como Un hombre lobo americano en Londres de John Landis. Con este aliño, y elaborando diálogos y personajes con cierta chispa, recurriendo a ciertos tópicos sobre la mundología rural, ha conseguido momentos muy divertidos.
Parte de culpa de culpa recae también en un grupo de actores especial y visceralmente dotados para la comedia gamberra: a Gorka Otxoa, Carlos Areces, y a Secun de la Rosa ya les conocemos de sus andanzas televisivas. Junto a ellos Luis Zahera, un recuperado Manuel Manquiña y Mabel Rivera que juega también un papel importante en el desenlace de la historia
No es una comedia perfecta. Le queda un poco lejos. Pero a cambio nos promete momentos gamberros, buenos diálogos y secuencias que no permiten contener la carcajada. Eso, en los tiempos que corren parece casi un milagro.
Recomendada: para los amantes de las comedias gamberras y de hombres lobo.
jueves, 28 de junio de 2012
miércoles, 20 de junio de 2012
jueves, 14 de junio de 2012
viernes, 8 de junio de 2012
viernes, 1 de junio de 2012
"Men In Black 3", cuando menos puede dar más
Men In Black 3 es ese tipo de películas que de no ser por los efectos digitales apenas existirían. De hecho, a esta tercera parte, si la despojamos de toda su parafernalia añadida, fondos espectaculares, armas y demás cachivaches tecnológicos, tan sólo nos quedarían cuatro chistes y unos cuantos diálogos con cierto ingenio que darían para un par de esqueches. El resto, pura parafernalia digital.
Barry Sonnenfeld, cineasta que se entretiene en la televisión dirigiendo y produciendo series como Criando Malvas (Pushing Daisies) o Notes from the Underbelly, entre otras, se pone de nuevo el traje para dirigir esta segunda secuela, intentando realizar lo que se conoce como trabajo de oficio. Es decir mantener el estilo y el listón de anteriores entregas. Sí a lo primero, no a lo segundo. La primera sirvió para presentar a los personajes y situarlos. La segunda para consolidar su relación y saber que eran capaces de salvar al mundo. Y esta tercera, a falta de estímulos más interesantes, ha basado buena parte de su trama en esa maravillosa y fascinante película llamada Regreso al futuro. Lo de salvar el mundo y detener al malo se dan por supuesto, pero al final, lo que más se echa de menos en esta tercera entrega de la serie es el humor. Y, por descontado, a Tommy Lee Jones, al que vemos en el inicio y en el fin, y que durante el resto del relato está representado como un agente K de apariencia joven –de unos 29 años, ahí es nada– y con la cara de Josh Brolin. Sin desmerecer al talento de éste último, que lo tiene, las anteriores entregas, además de en los efectos especiales, se sostenían gracias a esa extraña amistad surgida entre los heterogéneos personajes de Jones y Will Smith, relación que le permitió entrar por derecho propio en el salón de la fama de las buddy movies (películas de colegas). Tampoco parecen aprovechar productores y guionista –Etan Cohen, ojo, no confundir con Ethan Coen, el pequeño de los Coen– las posibilidades de ese viaje en el tiempo a finales de los 60, situación que permitiría, como minímo más bromas y más gags con mejores resultados.
¿Qué es divertida? A ratos. ¿Entretenida? Tambien a ratos. ¿Qué se llevará la taquilla de calle? También seguro. Entre otras razones porque a penas tiene competencia –económicamente hablando– en una taquilla que parece seguir dominada por Los Vengadores. Razones, más que suficientes para que sus productores no descarten una cuarta e incluso una quinta entrega.
+ Info.
Barry Sonnenfeld, cineasta que se entretiene en la televisión dirigiendo y produciendo series como Criando Malvas (Pushing Daisies) o Notes from the Underbelly, entre otras, se pone de nuevo el traje para dirigir esta segunda secuela, intentando realizar lo que se conoce como trabajo de oficio. Es decir mantener el estilo y el listón de anteriores entregas. Sí a lo primero, no a lo segundo. La primera sirvió para presentar a los personajes y situarlos. La segunda para consolidar su relación y saber que eran capaces de salvar al mundo. Y esta tercera, a falta de estímulos más interesantes, ha basado buena parte de su trama en esa maravillosa y fascinante película llamada Regreso al futuro. Lo de salvar el mundo y detener al malo se dan por supuesto, pero al final, lo que más se echa de menos en esta tercera entrega de la serie es el humor. Y, por descontado, a Tommy Lee Jones, al que vemos en el inicio y en el fin, y que durante el resto del relato está representado como un agente K de apariencia joven –de unos 29 años, ahí es nada– y con la cara de Josh Brolin. Sin desmerecer al talento de éste último, que lo tiene, las anteriores entregas, además de en los efectos especiales, se sostenían gracias a esa extraña amistad surgida entre los heterogéneos personajes de Jones y Will Smith, relación que le permitió entrar por derecho propio en el salón de la fama de las buddy movies (películas de colegas). Tampoco parecen aprovechar productores y guionista –Etan Cohen, ojo, no confundir con Ethan Coen, el pequeño de los Coen– las posibilidades de ese viaje en el tiempo a finales de los 60, situación que permitiría, como minímo más bromas y más gags con mejores resultados.
¿Qué es divertida? A ratos. ¿Entretenida? Tambien a ratos. ¿Qué se llevará la taquilla de calle? También seguro. Entre otras razones porque a penas tiene competencia –económicamente hablando– en una taquilla que parece seguir dominada por Los Vengadores. Razones, más que suficientes para que sus productores no descarten una cuarta e incluso una quinta entrega.
+ Info.
miércoles, 30 de mayo de 2012
lunes, 21 de mayo de 2012
"Skyfall", la nueva aventura de James Bond
Daniel Craig regresa como James Bond, en la 23ª aventura de la más longeva franquicia de todos los tiempos. En Skyfall, la lealtad de James Bond para con M se pone a prueba mientras el pasado de ésta la acecha. El MI6 es atacado y el agente 007 debe rastrear y destruir la amenaza, sin importar costes personales. La película cuenta también como protagonistas con Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Bérénice Marlohe, Ben Whishaw, con Albert Finney y Judi Dench como ‘M.’ Skyfall está dirigida por Sam Mendes y producida por Michael G. Wilson y Bárbara Broccoli. El guión, basado como el resto de sus aventuras en el personaje creado por el novelista Ian Fleming, está escrito por John Logan (Lincoln, Hugo, El aviador, Gladiator), Patrick Marber, Neal Purvis y Robert Wade, los dos últimos guionistas de las últimas aventuras del agente 007. Su estreno en España está previsto para el 31 de octubre de 2012. Un gran acontecimiento volver a disfrutar de este frío, enigmático y enamoradizo James Bond, quizá el más duro de los encarnados a lo largo de su historia cinematográfica.
lunes, 14 de mayo de 2012
"Revolution", lo nuevo de J.J. Abrams
Trailer de Revolution, la nueva serie dirigida por Jon Favreu, director de Iron Man y producida por J.J. Abrams, el de Alias, Lost, Fringe, etc. Su argumento recuerda a películas y series apocalípticas: "Un grupo de personas luchan por sobrevivir y reunirse con sus seres queridos en un mundo donde todas las formas de energía, han desaparecido misteriosamente".
miércoles, 9 de mayo de 2012
"Martha Marcy May Marlene", relato sugerido
Tras un título tan extraño y tremendamente complejo formado por tres nombres –Marcy May, tal y como se explica en la propia película es dos en uno– se esconde una intrigante historia sobre una joven que deambula entre una familia perdida y la búsqueda de su identidad. Un personaje tan falto de cariño y temeroso, resulta carne de cañón para todo tipo de secta-comuna, lugar en el que Martha encontrará durante un tiempo algo de paz.
Contada de forma paralela, combinando flashbacks de su vida en una especie de secta con su vida actual junto a su hermana, Sean Durkin –que debuta en el mundo del largo como director–, intenta establecer quién es Martha y hasta qué punto valores y conceptos como bien y mal terminan cruzándose en la mente de su protagonista. El cineasta elige un estilo pausado, estilísticamente bien pensado, buscando siempre un plano que muestre la cadencia y el alma de la secuencia, algo que aunque pueda sonar pretencioso resulta muy agradecido. En el apartado narrativo, el guión –obra también de Sean Durkin– es toda una lección sobre lo sugerido, en ocasiones algo excesivo, que exige un esfuerzo adicional para comprender la historia. Aquí no hay nada explícito y todo se presenta de forma que el espectador pueda ir construyendo la historia de Martha Marcy May Marlene a medida que avanza la película.
Ganadora del premio al Mejor Director en la última edición del Festival de Cine de Sundance , este primer trabajo de Durkin resulta un excelente trabajo sobre la necesidad de amor y de cómo determinados presupuestos sociales puede terminar por enterrar el cariño que todos, como seres sociales, necesitamos. Excelente trabajo de su protagonista Elizabeth Olsen, hermana pequeña de las famosas gemelas Olsen (Mary-Kate y Ashley, protagonistas de series como Padres forzosos, con la que dieron el salto), actriz a la que auguramos una larga carrera vista su presentación en este estilístico drama independiente.
Contada de forma paralela, combinando flashbacks de su vida en una especie de secta con su vida actual junto a su hermana, Sean Durkin –que debuta en el mundo del largo como director–, intenta establecer quién es Martha y hasta qué punto valores y conceptos como bien y mal terminan cruzándose en la mente de su protagonista. El cineasta elige un estilo pausado, estilísticamente bien pensado, buscando siempre un plano que muestre la cadencia y el alma de la secuencia, algo que aunque pueda sonar pretencioso resulta muy agradecido. En el apartado narrativo, el guión –obra también de Sean Durkin– es toda una lección sobre lo sugerido, en ocasiones algo excesivo, que exige un esfuerzo adicional para comprender la historia. Aquí no hay nada explícito y todo se presenta de forma que el espectador pueda ir construyendo la historia de Martha Marcy May Marlene a medida que avanza la película.
Ganadora del premio al Mejor Director en la última edición del Festival de Cine de Sundance , este primer trabajo de Durkin resulta un excelente trabajo sobre la necesidad de amor y de cómo determinados presupuestos sociales puede terminar por enterrar el cariño que todos, como seres sociales, necesitamos. Excelente trabajo de su protagonista Elizabeth Olsen, hermana pequeña de las famosas gemelas Olsen (Mary-Kate y Ashley, protagonistas de series como Padres forzosos, con la que dieron el salto), actriz a la que auguramos una larga carrera vista su presentación en este estilístico drama independiente.
viernes, 4 de mayo de 2012
"Grupo 7", un James Ellroy a la sevillana
Alberto Rodríguez se dio a conocer como director –junto a Santi Amodeo, amigo y compañero de escuela de cine– con El Factor Pilgrim, una interesante comedia con toques de thriller cuya sinopsis –un español, un inglés, un italiano y un holandés se hacen con la primera grabación de un grupo que podría ser The Beatles– podría sonarnos chiste setentero más que una magnífica e hilarante opera prima, que es lo que realmente es El Factor Pilgrim.
Con ese currículum siempre es difícil para un director colmar las expectativas de público y crítica. Lo intentó con un segundo trabajo –ya en solitario– El Traje, y no lo consiguió. También con 7 Vírgenes y con After, con mejores resultados en la segunda que en la primera. En ninguna de ellas terminaba de perder su frescura. Pero le faltaba redondear su talento con una película de mayor calado, quizá más comercial, pero igual de visceral. Y ese trabajo es sin duda Grupo 7.
Jugando de nuevo en casa, en un entorno conocido, la Sevilla de finales de los ochenta, la de las obras de la Expo, de los hermanísimos corruptos, de la política del pelotazo, con los barrios más céntricos de la capital andaluza plagados de yonquis, politoxicomanos, quinquis y demás zombis reales y marginales y con una policía con ganas de servir y proteger, unas veces al ciudadano y otras al dinero. Pero no se alarmen, esto no va de polis corruptos, aunque los hay, ni de políticos trepas, que también los hay. El relato de Alberto Rodríguez es lo más parecido que hemos visto en nuestro cine a James Ellroy, un cine policiaco, sucio, callejero, realista, sin tapujos, pobre, miserable, capaz de lo mejor y de lo peor del ser humano.
Es encomiable la labor crítica que ejerce el guión sobre muchos de sus personajes, presentándoles a unos sin apenas diálogos, silentes, casi mudos, apenas masculladores de barra. Mientras otros son un auténtico vendaval verborréico. Sus policías no son ni buenos ni malos, sino todo lo contrario. Y es esa decisión por profundizar en las zonas grises la que ennoblece la película y con ella a todos sus personajes. Eso y una perfectísima caracterización rematada con una dirección de actores, entre los que destacan una lista de secundarios que dotan a Grupo 7 de un realismo pocas veces visto. Hay algo del cine de Jose Antonio de la Loma, algo de Eloy de la Iglesia, sin duda: pero aquí el cineasta tiene otras claves, otras referencias, más americanas, más francesas, tanto literararias como cinematográficas.
Bebe en el realismo de Greengrass en cuanto a estilo, pero su narración sigue apelando a clásicos del cine negro, personajes silenciosos a quienes juzgamos por su actos y por sus pensamientos, más que por sus palabras: algo de Ford, de Houston, de Alphaville, y por supuesto mucho de Ellroy. Sin héroes ni heroísmos, el guión avanza mostrándonos de forma eficaz el trabajo de actores soberbios como Antonio de la Torre, Jose Manuel Poga, Joaquín Nuñez, Inma Cuesta, o el mismísimo Mario Casas, un ídolo de adolescentes quizá en su papel más maduro y redondo hasta la fecha. En un año que se nos aventura más bien flojo, puede que estemos ante la mejor película española del año. Como mínimo, de momento, la más digna.
Con ese currículum siempre es difícil para un director colmar las expectativas de público y crítica. Lo intentó con un segundo trabajo –ya en solitario– El Traje, y no lo consiguió. También con 7 Vírgenes y con After, con mejores resultados en la segunda que en la primera. En ninguna de ellas terminaba de perder su frescura. Pero le faltaba redondear su talento con una película de mayor calado, quizá más comercial, pero igual de visceral. Y ese trabajo es sin duda Grupo 7.
Jugando de nuevo en casa, en un entorno conocido, la Sevilla de finales de los ochenta, la de las obras de la Expo, de los hermanísimos corruptos, de la política del pelotazo, con los barrios más céntricos de la capital andaluza plagados de yonquis, politoxicomanos, quinquis y demás zombis reales y marginales y con una policía con ganas de servir y proteger, unas veces al ciudadano y otras al dinero. Pero no se alarmen, esto no va de polis corruptos, aunque los hay, ni de políticos trepas, que también los hay. El relato de Alberto Rodríguez es lo más parecido que hemos visto en nuestro cine a James Ellroy, un cine policiaco, sucio, callejero, realista, sin tapujos, pobre, miserable, capaz de lo mejor y de lo peor del ser humano.
Es encomiable la labor crítica que ejerce el guión sobre muchos de sus personajes, presentándoles a unos sin apenas diálogos, silentes, casi mudos, apenas masculladores de barra. Mientras otros son un auténtico vendaval verborréico. Sus policías no son ni buenos ni malos, sino todo lo contrario. Y es esa decisión por profundizar en las zonas grises la que ennoblece la película y con ella a todos sus personajes. Eso y una perfectísima caracterización rematada con una dirección de actores, entre los que destacan una lista de secundarios que dotan a Grupo 7 de un realismo pocas veces visto. Hay algo del cine de Jose Antonio de la Loma, algo de Eloy de la Iglesia, sin duda: pero aquí el cineasta tiene otras claves, otras referencias, más americanas, más francesas, tanto literararias como cinematográficas.
Bebe en el realismo de Greengrass en cuanto a estilo, pero su narración sigue apelando a clásicos del cine negro, personajes silenciosos a quienes juzgamos por su actos y por sus pensamientos, más que por sus palabras: algo de Ford, de Houston, de Alphaville, y por supuesto mucho de Ellroy. Sin héroes ni heroísmos, el guión avanza mostrándonos de forma eficaz el trabajo de actores soberbios como Antonio de la Torre, Jose Manuel Poga, Joaquín Nuñez, Inma Cuesta, o el mismísimo Mario Casas, un ídolo de adolescentes quizá en su papel más maduro y redondo hasta la fecha. En un año que se nos aventura más bien flojo, puede que estemos ante la mejor película española del año. Como mínimo, de momento, la más digna.
jueves, 3 de mayo de 2012
"[REC]³ Génesis", desequilibrio estilístico
Paco Plaza ha utilizado el formato conocido entre los profesionales del sector como BBB, o lo que es lo mismo, “Bodas, bautizos y banquetes”, pervirtiéndolo hasta conseguir en [REC]³ Génesis, tercera entrega de la serie, un nuevo híbrido con irregulares resultados y consecuencias.
Iniciada por el propio Plaza y por Jaume Balagueró en 2007, este [REC]³ recupera en su primera parte el espíritu de la original a través de la fascinación de la cámara por la grabación casera del evento. Es en esta zona donde la comedia costumbrista y quasi berlanguiana se apodera de la historia dando énfasis a tópicos y arquetipos que se revelan como lo mejor y más divertido de la película.
El principal problema surge justamente cuando la película da un giro repentino y de la comedia realista rodada cámara en mano por uno de los comensales del banquete pasamos a la película de zombis tradicional, rodada al estilo clásico, creando una enorme e insalvable confusión que sume al espectador–inesperadamente en cuanto a formato– en otro tipo de espectáculo. Un espectáculo ya preestablecido en el que lo gore, la sangre, las vísceras y los mordiscos, se apoderan de la escena, marginando –casi por completo– el costumbrismo y la telerrealidad de la que sin embargo se nutría aquel fascinante experimento de terror llamado simplemente [Rec].
Fascinado, probablemente como muchos de sus seguidores, por elementos que han dado al brillo al género de terror –la sierra eléctrica, los mordiscos de lengua, el rimel corrido, el aspecto sexy y salvaje de las chicas protagonistas, los videojuegos como Resident Evil y demás– Paco Plaza y su guionista, Luis Berdejo, prescinden por completo del formato doméstico y su parodia gamberra para apostar sin tapujos por los clásicos para descerebrados del género. Y este desequilibrio entre primera y segunda parte de la película le confiere un resultado irregular. Algo que seguramente no molestará en absoluto a los fans irredentos de la serie, para quienes parece realizada esta tercera parte y que seguramente disfrutarán también con la magnífica interpretación de esa joven llamada Leticia Dolera, auténtica heroína de esta historia.
Por suerte, quienes conocemos –o creemos conocer– a Paco Plaza y su guionista, sabemos que su talento está muy por encima de semejantes gamberradas, con la que –ojalá– conseguirán una abultada taquilla que les permitirá dedicar su tiempo al cine de calidad del que ambos son capaces
Iniciada por el propio Plaza y por Jaume Balagueró en 2007, este [REC]³ recupera en su primera parte el espíritu de la original a través de la fascinación de la cámara por la grabación casera del evento. Es en esta zona donde la comedia costumbrista y quasi berlanguiana se apodera de la historia dando énfasis a tópicos y arquetipos que se revelan como lo mejor y más divertido de la película.
El principal problema surge justamente cuando la película da un giro repentino y de la comedia realista rodada cámara en mano por uno de los comensales del banquete pasamos a la película de zombis tradicional, rodada al estilo clásico, creando una enorme e insalvable confusión que sume al espectador–inesperadamente en cuanto a formato– en otro tipo de espectáculo. Un espectáculo ya preestablecido en el que lo gore, la sangre, las vísceras y los mordiscos, se apoderan de la escena, marginando –casi por completo– el costumbrismo y la telerrealidad de la que sin embargo se nutría aquel fascinante experimento de terror llamado simplemente [Rec].
Fascinado, probablemente como muchos de sus seguidores, por elementos que han dado al brillo al género de terror –la sierra eléctrica, los mordiscos de lengua, el rimel corrido, el aspecto sexy y salvaje de las chicas protagonistas, los videojuegos como Resident Evil y demás– Paco Plaza y su guionista, Luis Berdejo, prescinden por completo del formato doméstico y su parodia gamberra para apostar sin tapujos por los clásicos para descerebrados del género. Y este desequilibrio entre primera y segunda parte de la película le confiere un resultado irregular. Algo que seguramente no molestará en absoluto a los fans irredentos de la serie, para quienes parece realizada esta tercera parte y que seguramente disfrutarán también con la magnífica interpretación de esa joven llamada Leticia Dolera, auténtica heroína de esta historia.
Por suerte, quienes conocemos –o creemos conocer– a Paco Plaza y su guionista, sabemos que su talento está muy por encima de semejantes gamberradas, con la que –ojalá– conseguirán una abultada taquilla que les permitirá dedicar su tiempo al cine de calidad del que ambos son capaces
jueves, 26 de abril de 2012
Teaser "Fin"
Primer teaser de la película de Jorge Torregrosa, Fin, historia de suspense y ciencia ficción protagonizada por Maribel Verdú, Clara Lago y Daniel Grao.
lunes, 23 de abril de 2012
Rusell Crowe protagonizará "Noe" de Darren Aronofsky
NOTA DE PRENSA DE PARAMOUNT
"HOLLYWOOD, CA (23 de Abril de 2012) - Paramount Pictures y New Regency Productions han anunciado conjuntamente hoy que el oscarizado Russell Crowe ha sido incluido como Noé en el reparto del largometraje del mismo nombre del director Darren Aronofsky. Paramount estrenará la película el 28 de Marzo de 2014.
Aronofsky ha declarado: “”Quisiera dar las gracias a Paramount y a Regency por apoyar el esfuerzo de mi equipo para insuflarle una nueva vida a esta epopeya bíblica. Estoy muy contento de tener a Russell Crowe a mi lado en esta aventura. Gracias a su inmenso talento puedo dormir bien por las noches. Estoy deseando que me asombre cada día”. NOÉ es una fiel adaptación de la historia bíblica del Arca de Noé. En un mundo asolado por los pecados humanos, Noé recibe una misión divina: construir un Arca para salvar a la creación del inminente diluvio. El guión está escrito por Aronofsky y Ari Handel (a partir del cómic creado por ambos que se ha estrenado en octubre de este año) y revisado por el guionista nominado al Óscar John Logan (GLADIATOR, HUGO). Scott Franklin y Aronofsky de Protozoa Pictures, junto con Mary Parent de Disruption Entertainment, producirán la película. Los productores ejecutivos de la película serán Ari Handel (CISNE NEGRO), Arnon Milchan de New Regency y Chris Brigham (ORIGEN, ARGO). El rodaje de la película comenzará el mes de Julio en Islandia y Nueva York, y su estreno está previsto para el 28 de marzo de 2014".
"HOLLYWOOD, CA (23 de Abril de 2012) - Paramount Pictures y New Regency Productions han anunciado conjuntamente hoy que el oscarizado Russell Crowe ha sido incluido como Noé en el reparto del largometraje del mismo nombre del director Darren Aronofsky. Paramount estrenará la película el 28 de Marzo de 2014.
Aronofsky ha declarado: “”Quisiera dar las gracias a Paramount y a Regency por apoyar el esfuerzo de mi equipo para insuflarle una nueva vida a esta epopeya bíblica. Estoy muy contento de tener a Russell Crowe a mi lado en esta aventura. Gracias a su inmenso talento puedo dormir bien por las noches. Estoy deseando que me asombre cada día”. NOÉ es una fiel adaptación de la historia bíblica del Arca de Noé. En un mundo asolado por los pecados humanos, Noé recibe una misión divina: construir un Arca para salvar a la creación del inminente diluvio. El guión está escrito por Aronofsky y Ari Handel (a partir del cómic creado por ambos que se ha estrenado en octubre de este año) y revisado por el guionista nominado al Óscar John Logan (GLADIATOR, HUGO). Scott Franklin y Aronofsky de Protozoa Pictures, junto con Mary Parent de Disruption Entertainment, producirán la película. Los productores ejecutivos de la película serán Ari Handel (CISNE NEGRO), Arnon Milchan de New Regency y Chris Brigham (ORIGEN, ARGO). El rodaje de la película comenzará el mes de Julio en Islandia y Nueva York, y su estreno está previsto para el 28 de marzo de 2014".
lunes, 16 de abril de 2012
"Tyrannosaur", el animal que llevamos dentro
Avalada por tres premios en la pasada edición del Festival de Sundance 2011 –Mejor Director, Mejor Actor Dramático y Mejor Actriz Dramática– por fin se estrena la ópera prima del actor británico Paddy Considine. Conocido sobre todo por pequeños papeles en Cinderella Man o El ultimátum de Bourne, o sus protagonistas en obras más bien independientes como In America o Dead Man Shoes –en la que además también firmó el guión–, Considine dio el salto a la dirección con Dog Altogether, un cortometraje que se llevó premios en los BAFTA y en el Festival de Venecia de 2007 (protagonizado por los mismos actores que Redención). A pesar del respaldo de la crítica Considine ha tardado unos años en dar el salto al largo, y lo ha hecho con una historia personal, escrita y dirigida por él mismo.
Redención –cuyo título original es Tyrannosaur y que acertadamente sus distribuidores han cambiado por otro quizá más obvio, pero también más clarificador– resume el intento de rehabilitación de un viudo alcohólico y dominado por la violencia que encuentra la redención en una caritativa y devota dueña de una tienda de ropa de barrio. Joseph, tremenda y brutalmente interpretado por un Peter Mullan en uno de sus mejores momentos, cree encontrar paradójicamente su propia salvación rescatando la vida de esta débil ama de casa sometida a los caprichos de un marido.
El viaje al que obliga Considine al espectador es hostil y terrible, ya que apenas deja resquicios de bondad en un entorno realistamente marginal. No hay concesiones en esta historia que comienza como una redención y termina como la vida misma, escogiendo caminos inescrutables e inesperados. Sin duda el Paddy Considine cineasta, cuenta con dos actores capaces de recorrer las galerías del alma de sus personajes hasta el fondo. Peter Mullan y Olivia Colman elevan el trabajo del relato consiguiendo emocionar con una extraña mezcla amargura y compasión. Sólo determinadas lagunas narrativas y la falta de claridad en alguna de las subtramas de la historia hacen que Redención no llegue a ser todo lo brillante que su trabajo actoral merece.
Un brillante debut para un actor que quizá con un guión más elaborado y completo pueda repetir la experiencia y llevarse, de paso, mejores resultados en taquilla.
+ Info.
Redención –cuyo título original es Tyrannosaur y que acertadamente sus distribuidores han cambiado por otro quizá más obvio, pero también más clarificador– resume el intento de rehabilitación de un viudo alcohólico y dominado por la violencia que encuentra la redención en una caritativa y devota dueña de una tienda de ropa de barrio. Joseph, tremenda y brutalmente interpretado por un Peter Mullan en uno de sus mejores momentos, cree encontrar paradójicamente su propia salvación rescatando la vida de esta débil ama de casa sometida a los caprichos de un marido.
El viaje al que obliga Considine al espectador es hostil y terrible, ya que apenas deja resquicios de bondad en un entorno realistamente marginal. No hay concesiones en esta historia que comienza como una redención y termina como la vida misma, escogiendo caminos inescrutables e inesperados. Sin duda el Paddy Considine cineasta, cuenta con dos actores capaces de recorrer las galerías del alma de sus personajes hasta el fondo. Peter Mullan y Olivia Colman elevan el trabajo del relato consiguiendo emocionar con una extraña mezcla amargura y compasión. Sólo determinadas lagunas narrativas y la falta de claridad en alguna de las subtramas de la historia hacen que Redención no llegue a ser todo lo brillante que su trabajo actoral merece.
Un brillante debut para un actor que quizá con un guión más elaborado y completo pueda repetir la experiencia y llevarse, de paso, mejores resultados en taquilla.
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martes, 10 de abril de 2012
El nuevo "Alien" de Ridley Scott, "Prometheus", en agosto
Hay películas que no necesitan presentación. Prometheus es una de ellas. Se trata de una vuelta de tuerca al Alien dirigido por Ridley Scott en 1979. En realidad, es lo que se empieza a conocer ya como precuela, es decir una película que indaga en la historia previa a la que se relata en el original. El director es el mismo Scott y entre sus protagonistas estrellas como Charlize Theron, Guy Pearce y los recientes Michael Fassbender, Noomi Rapace (Millenium), Idris Elba (Luther) y Logan Marshal-Green (Dark Blue). Al cineasta y elenco, se suma la presencia en el guión de David Lindelof, artífice, productor y guionista también de la emblemática Lost.
jueves, 5 de abril de 2012
"John Carter", épica, más digital que novelesca
John Carter, personaje codiciado durante largo tiempo por varias de las grandes productoras de Hollywood, hace su primera aparición en la novela La Princesa de Marte, publicada por Edgar Rice Burroughs –autor también de la archiconocida Tarzán de los monos– en 1911. Estamos hablando por tanto –aunque cueste creerlo– de una historia con más de cien años de existencia, anterior a la mayoría de los cómics, y por supuesto a la épica aventura de Star Wars, e incluso anterior a los personajes de la iconografía cinematográfica japonesa en la que se basan las películas de George Lucas.
John Carter es una especie de Lancelot, un Tirant lo Blanc futurista, cuya especialidad son los viajes astrales entre Marte –llamado Barsoom en las novelas de Burroughs– y la Tierra. Es, por supuesto, un superhéroe cuyo único poder, amén del teletransporte, son unos enormes e incontrolables saltos que la densidad de sus huesos y la gravedad de Marte le confieren.
A nivel escenográfico, esta versión de Andrew Stanton –ganador de dos Oscar por Buscando a Nemo y Wall-e– se ha tomado la molestia de parecerse, en lo virtual, a las últimos capítulos de la saga galáctica –los marcianos parecen un híbrido entre Golum y Jar-Jar–, y mezclarlo con algunos destellos de western con varios personajes buscando su destino. El resultado es una película épica, de aventuras, que sorprende en algunos momentos y que resulta predecible e insoportable en otros. Se mueve en el camino de los efectos digitales excesivos, en el de la fantasía y un cierto futurismo retro, que entretiene más de lo que muchos han predicho, pero menos de lo que se merecía la novela de Burroughs.
No esperen tampoco grandes interpretaciones, porque no las hay y porque este modelo de cine apenas las permite. Taylor Kistch, escultural y habituado ya al cine de acción, intenta recordarnos a Timothy Oliphant, aunque la ternura del personaje apenas le permiten destellos malévolos, y del resto, aunque no vemos sus caras, nos quedamos con Samantha Morton y Willen Dafoe. Ni Lynn Collins, Mark Strong, Dominc West, James Purefoy o –magnífico en otros papeles– Bryan Cranston, ofrecen algo más allá de lo que la rutina de aventuras y efectos les permiten.
+ Info.
John Carter es una especie de Lancelot, un Tirant lo Blanc futurista, cuya especialidad son los viajes astrales entre Marte –llamado Barsoom en las novelas de Burroughs– y la Tierra. Es, por supuesto, un superhéroe cuyo único poder, amén del teletransporte, son unos enormes e incontrolables saltos que la densidad de sus huesos y la gravedad de Marte le confieren.
A nivel escenográfico, esta versión de Andrew Stanton –ganador de dos Oscar por Buscando a Nemo y Wall-e– se ha tomado la molestia de parecerse, en lo virtual, a las últimos capítulos de la saga galáctica –los marcianos parecen un híbrido entre Golum y Jar-Jar–, y mezclarlo con algunos destellos de western con varios personajes buscando su destino. El resultado es una película épica, de aventuras, que sorprende en algunos momentos y que resulta predecible e insoportable en otros. Se mueve en el camino de los efectos digitales excesivos, en el de la fantasía y un cierto futurismo retro, que entretiene más de lo que muchos han predicho, pero menos de lo que se merecía la novela de Burroughs.
No esperen tampoco grandes interpretaciones, porque no las hay y porque este modelo de cine apenas las permite. Taylor Kistch, escultural y habituado ya al cine de acción, intenta recordarnos a Timothy Oliphant, aunque la ternura del personaje apenas le permiten destellos malévolos, y del resto, aunque no vemos sus caras, nos quedamos con Samantha Morton y Willen Dafoe. Ni Lynn Collins, Mark Strong, Dominc West, James Purefoy o –magnífico en otros papeles– Bryan Cranston, ofrecen algo más allá de lo que la rutina de aventuras y efectos les permiten.
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lunes, 2 de abril de 2012
"Mi semana con Marylin", retrato íntimo y tierno
Es necesario advertir que lo que ofrece Mi semana con Marilyn no es una biografía de la estrella, ni lo pretende. Igualmente, la actriz que la interpreta, Michelle Williams, no hubiese resultado ganadora en un concurso de dobles de la Marilyn Monroe. Sin embargo, este trabajo de Simon Curtis resulta uno de las mejores y más acertadas aproximaciones a la sensibilidad y el espíritu del icono sexual de los sesenta.
Mi semana con Marilyn se presenta como la adaptación de un hecho real, los días que la actriz pasó en Inglaterra durante el rodaje de El Príncipe y la Corista a través de los ojos del tercer ayudante de Dirección de Laurence Olivier, Colin Clark, pero en realidad es una novela. Al menos una novelización de estos hechos. Y lo es porque en realidad, esta es la única forma de ser fiel al espíritu que tanto las memorias en las que se basa –El Príncipe, la Corista y yo, y Mi semana con Marilyn– como la película intentan transmitirnos.
Aquí la protagonista no es una estrella, sino una persona, una aspirante a gran actriz, frágil, tierna y tremendamente insegura que viaja a Londres para rodar con uno de los más grandes actores del momento, Sir Laurence Olivier. Lo que el director nos muestra, a través de los ojos de un joven inexperto –y aparentemente tontorrón– Colin Clark, no es más que lo que muchos años después hemos llegado a conocer a través de documentales y reportajes, pero que la ficción no se había atrevido a mostrar hasta ahora: la parte íntima, las dudas, las inseguridades, la humanidad, los defectos y temores con los que tuvo que vivir Marilyn hasta que un 5 de agosto de 1962 se quitó la vida.
Ya hemos dicho que Michelle Williams no es quizá la imagen de actriz que muchos tendrían en mente para interpretarla. Sin embargo, una vez superados los primeros temores causados por su leve parecido, hay que reconocer su enorme capacidad y talento para alcanzar el corazón del espectador a fuerza de ternura, sensibilidad y miradas. Williams se ha llevado el Globo de Oro por ello con todo merecimiento. Ella y el resto del reparto –Kenneth Branagh, Judy Dench, Emma Watson y Eddie Redmayne– son, junto con el guión, el mejor argumento de esta brillante y humilde crónica de juventud.
Sólo su envoltorio y un cierto tono a tv movie, –su director, Simon Curtis, lleva años realizándolas para la BBC– impiden que Mi semana con Marilyn sea todavía mucho más grande de lo que es. Pero eso es hilar muy fino, para una película que se paladea y se disfruta de principio a fin.
+ Info.
Mi semana con Marilyn se presenta como la adaptación de un hecho real, los días que la actriz pasó en Inglaterra durante el rodaje de El Príncipe y la Corista a través de los ojos del tercer ayudante de Dirección de Laurence Olivier, Colin Clark, pero en realidad es una novela. Al menos una novelización de estos hechos. Y lo es porque en realidad, esta es la única forma de ser fiel al espíritu que tanto las memorias en las que se basa –El Príncipe, la Corista y yo, y Mi semana con Marilyn– como la película intentan transmitirnos.
Aquí la protagonista no es una estrella, sino una persona, una aspirante a gran actriz, frágil, tierna y tremendamente insegura que viaja a Londres para rodar con uno de los más grandes actores del momento, Sir Laurence Olivier. Lo que el director nos muestra, a través de los ojos de un joven inexperto –y aparentemente tontorrón– Colin Clark, no es más que lo que muchos años después hemos llegado a conocer a través de documentales y reportajes, pero que la ficción no se había atrevido a mostrar hasta ahora: la parte íntima, las dudas, las inseguridades, la humanidad, los defectos y temores con los que tuvo que vivir Marilyn hasta que un 5 de agosto de 1962 se quitó la vida.
Ya hemos dicho que Michelle Williams no es quizá la imagen de actriz que muchos tendrían en mente para interpretarla. Sin embargo, una vez superados los primeros temores causados por su leve parecido, hay que reconocer su enorme capacidad y talento para alcanzar el corazón del espectador a fuerza de ternura, sensibilidad y miradas. Williams se ha llevado el Globo de Oro por ello con todo merecimiento. Ella y el resto del reparto –Kenneth Branagh, Judy Dench, Emma Watson y Eddie Redmayne– son, junto con el guión, el mejor argumento de esta brillante y humilde crónica de juventud.
Sólo su envoltorio y un cierto tono a tv movie, –su director, Simon Curtis, lleva años realizándolas para la BBC– impiden que Mi semana con Marilyn sea todavía mucho más grande de lo que es. Pero eso es hilar muy fino, para una película que se paladea y se disfruta de principio a fin.
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viernes, 30 de marzo de 2012
"Al borde del abismo", inesperadamente entretenido
Man on a Ledge, en España Al borde del abismo, película de la que ya hablamos en el blog, supone el debut como director en solitario del danés Asger Leth, hijo de Jorgen Leth, amigo, compañero y actor que dirigió junto a su compatiota Lars Von Trier la película Cinco condiciones. Asger hasta ahora se había formado como ayudante de dirección y director de fotografía en multitud de documentales. Su primer trabajo como co-director junto a Milos Loncarevic en Ghosts of Cité Soleil –un semi-documental sobre la vida de las bandas que controlan Haití– dejó muy buen saber de boca. Todas esas experiencias son las que le han servido para aprovechar una trama de misterio, aparentemente convencional, en un thriller trepidante, con un ritmo perfectamente dosificado que no decae ni un segundo y que se paladea como un eficiente producto de entretenimiento.
El guión, obra del venezolano Pablo F. Fenjves –afincado ya en Hollywood–, un autor que ha cimentado su carrera en la televisión y que demuestra aquí su sabiduría en la construcción y en los tiempos, y por supuesto, un punto de giro colocado estratégica e inteligentemente en el momento que preciso.
No estamos ante una obra maestra de autor, sí en cambio frente a un mecanismo de precisión atractivo, entretenido y eficaz pese a la falta de enjundia de su protagonista, Sam Worthington, un actor sobrevalorado que consiguió su cima cinematográfica en Avatar y que, de momento, poco más ha demostrado. Mejor resultado ofrecen actores con menor presencia pero fundamentales en la trama, como Jaime Bell, Kyra Sedgwick y la debutante Genesis Rodríguez, hija de José Luis Rodríguez “El Puma” y auténtica revelación de la película. Y por supuesto nada que objetar a Elizabeth Banks, Ed Harris y a un desperdiciado Edward Burns. Un casting abundante en talentos que resulta equilibrado y funcional.
No vamos a desvelar nada más de la trama: para eso ya están los trailers. Quienes quieran disfrutar plenamente de la película, si pueden, evítenlos.
+ Info.
El guión, obra del venezolano Pablo F. Fenjves –afincado ya en Hollywood–, un autor que ha cimentado su carrera en la televisión y que demuestra aquí su sabiduría en la construcción y en los tiempos, y por supuesto, un punto de giro colocado estratégica e inteligentemente en el momento que preciso.
No estamos ante una obra maestra de autor, sí en cambio frente a un mecanismo de precisión atractivo, entretenido y eficaz pese a la falta de enjundia de su protagonista, Sam Worthington, un actor sobrevalorado que consiguió su cima cinematográfica en Avatar y que, de momento, poco más ha demostrado. Mejor resultado ofrecen actores con menor presencia pero fundamentales en la trama, como Jaime Bell, Kyra Sedgwick y la debutante Genesis Rodríguez, hija de José Luis Rodríguez “El Puma” y auténtica revelación de la película. Y por supuesto nada que objetar a Elizabeth Banks, Ed Harris y a un desperdiciado Edward Burns. Un casting abundante en talentos que resulta equilibrado y funcional.
No vamos a desvelar nada más de la trama: para eso ya están los trailers. Quienes quieran disfrutar plenamente de la película, si pueden, evítenlos.
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miércoles, 28 de marzo de 2012
"Contraband", un remake convencional
En 2008 los autores, novelistas y guionistas Óskar Jónasson y Arnaldur Indriðason escribieron Reykjavik-Rotterdam. Utilizando un estilo muy próximo, visual y estéticamente hablando, al del británico Paul Greengrass en su serie de películas sobre el agente Jason Bourne, el resultado fue un solvente, atractivo e intrigante thriller negro, con un trama que giraba en torno a un personaje redimido, pero cuyo destino le lanzaba de nuevo en las fauces de un grupo de gansters ambiciosos y amorales dedicados al contrabando entre Holanda e Islandia.
Con la intención de repetir éxito y experiencia, uno de los protagonistas de la misma y también productor, Baltasar Kormákur, se ha hecho cargo de este remake rodado en inglés y con la estrella Mark Whalberg como protagonista. Aunque los productores de esta versión insistan en que Kormákur ha querido dar su visión modificando la historia, la realidad es que su trabajo ha consistido, básicamente, en mimetizar guión, logros y hallazgos de la original para rodarlos con un presupuesto mucho más holgado y el presumible pedigrí internacional que supone contar una estrella de Hollywood.
Cómo suele suceder en las versiones realizadas por Hollywood de taquillazas europeos, Contraband no tiene nada de original, al menos para quien haya visto Reykjavik-Rotterdam. Para el resto supondrá un entretenimiento, un producto para pasar el rato con tiros, persecuciones, algo de tensión –más bien poca– y la presencia del ya mencionado Mark Whalberg, de unos desaprovechados Diego Luna y Kate Beckinsale y de un excesivo y estereotipadísimo Giovanni Ribisi.
+Info.
Con la intención de repetir éxito y experiencia, uno de los protagonistas de la misma y también productor, Baltasar Kormákur, se ha hecho cargo de este remake rodado en inglés y con la estrella Mark Whalberg como protagonista. Aunque los productores de esta versión insistan en que Kormákur ha querido dar su visión modificando la historia, la realidad es que su trabajo ha consistido, básicamente, en mimetizar guión, logros y hallazgos de la original para rodarlos con un presupuesto mucho más holgado y el presumible pedigrí internacional que supone contar una estrella de Hollywood.
Cómo suele suceder en las versiones realizadas por Hollywood de taquillazas europeos, Contraband no tiene nada de original, al menos para quien haya visto Reykjavik-Rotterdam. Para el resto supondrá un entretenimiento, un producto para pasar el rato con tiros, persecuciones, algo de tensión –más bien poca– y la presencia del ya mencionado Mark Whalberg, de unos desaprovechados Diego Luna y Kate Beckinsale y de un excesivo y estereotipadísimo Giovanni Ribisi.
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viernes, 23 de marzo de 2012
"Los idus de marzo", buenos personajes para malos tiempos
Hace ya bastante tiempo que George Clooney dejó de ser sólo la parte amable y atractiva de una estrella de Hollywood. Gracias a los millones conseguidos en sus películas más comerciales y, por supuesto, a un excelente criterio cinematográfico, la estrella se ha convertido en un instintivo productor y director, además de guionista. Una carrera que arrancó en 2002 con Confesiones de una mente peligrosa, que se confirmó con Buenas noches y buena suerte y que ahora revalida con Los Idus de Marzo.
Esta vez Clooney ha puesto su mirada en la obra de teatro Farragut North de Beau Willimon, se ha encargado de escribir el guión, junto con el propio Willimon y Grant Heslov, y además de producirla también la ha dirigido. Toda una declaración de intenciones sobre su implicación en un proyecto en el que además también ha involucrado –en la producción– a otra gran estrella como Leonardo DiCaprio.
Los Idus de Marzo hace un corte transversal en la vida de un grupo de personajes cuyas ambiciones se mueven alrededor de las primarias de EE.UU. para elegir al candidato demócrata a la Presidencia. Clooney y su equipo consiguen un retrato preciso de todos los personajes, a cual más falso, más hipócrita y más ambicioso. No se trata de un análisis descarnado, y sí en cambio de un relato pausado, demasiado frío en algunos momentos, que fija su mirada en los comportamientos humanos. Bajo la prerogativa de que nada malo puede pasarles a gentes que hacen el bien, lo que sugiere el jefe de prensa (Ryan Gosling) del cuasi perfecto Gobernador Morris (Clooney), los protagonistas consiguen desmontar esa teoría y, forzados por las circunstancias, se despojan de sus máscaras para enseñarnos todas sus miserias.
Los Idus de Marzo pasa a formar parte de filmes entretenidos y didácticos sobre el funcionamiento de las campañas electorales en Estados Unidos, y lo hace bebiendo en fuentes como Ciudadano Kane, El Candidato o las más recientes Cortina de humo y Primary Colors. Sólo cierta dejadez a la hora de plantear y extraer todo el partido a una apuntada trama de thriller, con asesinato incluido, hacen que la película no colme las expectativas planteadas durante su primera hora. Eso y ciertos momentos de apatía por parte de un Gosling excesivamente contenido, hacen que Los Idus de Marzo no haya conseguido la brillantez suficiente como para convertirse en la película del año.
Sin embargo, el enorme talento y la profesionalidad de tres actores fundamentales en la historia, como son Marisa Tomei, Philip Seymour Hoffman y Paul Giamatti, y unos diálogos soberbios e ingeniosos, son suficiente reclamo como para esta cuarta película del George Clooney.
+ Info.
Esta vez Clooney ha puesto su mirada en la obra de teatro Farragut North de Beau Willimon, se ha encargado de escribir el guión, junto con el propio Willimon y Grant Heslov, y además de producirla también la ha dirigido. Toda una declaración de intenciones sobre su implicación en un proyecto en el que además también ha involucrado –en la producción– a otra gran estrella como Leonardo DiCaprio.
Los Idus de Marzo hace un corte transversal en la vida de un grupo de personajes cuyas ambiciones se mueven alrededor de las primarias de EE.UU. para elegir al candidato demócrata a la Presidencia. Clooney y su equipo consiguen un retrato preciso de todos los personajes, a cual más falso, más hipócrita y más ambicioso. No se trata de un análisis descarnado, y sí en cambio de un relato pausado, demasiado frío en algunos momentos, que fija su mirada en los comportamientos humanos. Bajo la prerogativa de que nada malo puede pasarles a gentes que hacen el bien, lo que sugiere el jefe de prensa (Ryan Gosling) del cuasi perfecto Gobernador Morris (Clooney), los protagonistas consiguen desmontar esa teoría y, forzados por las circunstancias, se despojan de sus máscaras para enseñarnos todas sus miserias.
Los Idus de Marzo pasa a formar parte de filmes entretenidos y didácticos sobre el funcionamiento de las campañas electorales en Estados Unidos, y lo hace bebiendo en fuentes como Ciudadano Kane, El Candidato o las más recientes Cortina de humo y Primary Colors. Sólo cierta dejadez a la hora de plantear y extraer todo el partido a una apuntada trama de thriller, con asesinato incluido, hacen que la película no colme las expectativas planteadas durante su primera hora. Eso y ciertos momentos de apatía por parte de un Gosling excesivamente contenido, hacen que Los Idus de Marzo no haya conseguido la brillantez suficiente como para convertirse en la película del año.
Sin embargo, el enorme talento y la profesionalidad de tres actores fundamentales en la historia, como son Marisa Tomei, Philip Seymour Hoffman y Paul Giamatti, y unos diálogos soberbios e ingeniosos, son suficiente reclamo como para esta cuarta película del George Clooney.
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miércoles, 21 de marzo de 2012
Jennifer Lawrence presenta el 26 de marzo "Los Juegos del Hambre"
Los fans de Jennifer Lawrence y de la novela –ahora película– Los Juegos del Hambre, están de enhorabuena. El próximo lunes 26 de marzo la actriz visitará Madrid para promocionar la película que en EE.UU. se estrena este fin de semana. Warner Bros, distribuidora de la película ha preparado un acto de presentación en el Cine Callao de Madrid a partir de las 20:00 horas en el que participará la actriz y en el que además se proyectarán varias piezas de la película protagonizadas por Jennifer Lawrence.
Los Juegos del Hambre cuenta cómo todos los años en las ruinas de lo que era una vez América del Norte, la nación de Panem obliga a cada uno de sus doce distritos a enviar a un chico y a una chica, adolescentes, para competir en Los juegos del hambre. En parte es un entretenimiento rebuscado y en parte es una táctica de intimidación por parte del gobierno. Los juegos del hambre es un evento televisado nacionalmente en el cual los “Tributos” tienen que luchar entre ellos hasta quedar solamente un superviviente.
La película, adaptación de la exitosa novela homónima de Suzanne Collins, esta dirigida por Gary Ross y protagonizada también por Josh Hutcherson y Liam Hemsworth. Al trío protagonista se le suman actores de la talla de Elizabeth Banks, Woody Harrelson, Stanley Tucci, Donald Sutherland o el cantante Lenny Kravitz. Los Juegos del Hambre se estrena en España el 20 de abril.
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Los Juegos del Hambre cuenta cómo todos los años en las ruinas de lo que era una vez América del Norte, la nación de Panem obliga a cada uno de sus doce distritos a enviar a un chico y a una chica, adolescentes, para competir en Los juegos del hambre. En parte es un entretenimiento rebuscado y en parte es una táctica de intimidación por parte del gobierno. Los juegos del hambre es un evento televisado nacionalmente en el cual los “Tributos” tienen que luchar entre ellos hasta quedar solamente un superviviente.
La película, adaptación de la exitosa novela homónima de Suzanne Collins, esta dirigida por Gary Ross y protagonizada también por Josh Hutcherson y Liam Hemsworth. Al trío protagonista se le suman actores de la talla de Elizabeth Banks, Woody Harrelson, Stanley Tucci, Donald Sutherland o el cantante Lenny Kravitz. Los Juegos del Hambre se estrena en España el 20 de abril.
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